Gerakan Seniman Saqqakhana Yang Perlu Kalian Ketahui

Gerakan Seniman Saqqakhana Yang Perlu Kalian Ketahui – Pada tahun 1963, kritikus seni Karim Emami menggunakan istilah saqqakhana untuk menggambarkan gaya yang muncul dari sekelompok seniman Iran yang baru-baru ini berpameran di Biennial Teheran Ketiga pada tahun 1962.

Gerakan Seniman Saqqakhana Yang Perlu Kalian Ketahui

kargah – Kata Persia saqqakhana mengacu pada air mancur publik yang memperingati Syiah para syuhada yang kekurangan air selama perang Karbala (680 M).

Di Karbala Imam Husain dibunuh oleh tangan Yazid, penguasa Sunni. Saqqakhana sering kali menyertakan bagian luar seperti panggangan di mana barang-barang nazar seperti bendera atau kunci dapat ditinggalkan oleh pengunjung atau orang yang lewat.

Di dalamnya terdapat air mancur untuk minum, dan strukturnya sering dihiasi dengan benda-benda religius seperti lilin, manik-manik, pita, halaman buku doa, dan bahkan ilustrasi adegan pertempuran.

Bagi Emami, kemiripan karya seniman dengan saqqakhana sebenarnya bersifat visual dan simbolis.

Monumen publik semacam itu memungkinkan pengabdian pribadi oleh orang biasa: pengalaman individual yang disamakan Emami dengan pengalaman melihat karya seni tertentu pada 1950-an dan 1960-an. Meskipun karya-karya ini beragam secara material dan formal, para seniman memiliki minat yang sama untuk memanfaatkan budaya populer Iran .

Baca Juga : Budaya Luar Biasa Di Iran Yang Harus Anda Lihat 

Sumber mereka berkisar dari benda-benda religius seperti segel jimat dan artefak nazar Syiah hingga benda-benda rumah tangga biasa seperti mangkuk, kunci, manik-manik, dan peralatan.
Sementara beberapa seniman mengambil dari teks sastra dan buku doa dan cerita periode Islam , yang lain menggali kembali ke masa lalu kuno negara mereka .

Fokus baru ini adalah reaksi terhadap perlindungan seni kerajaan dan elit selama berabad-abad, serta perayaan kehidupan dan budaya material dari massa masyarakat Iran yang kurang mampu.

Gaya yang dihasilkan sekaligus spesifik secara budaya dan modern secara formal. Lebih dari materi pelajaran atau konten naratif, kualitas dekoratif, skema warna, dan ikonografilah yang memberikan sinkronisasi visual pada grup. Dua seniman pertamanya adalah Hussein Zenderoudi (lahir 1937) dan Faramarz Pilaram (1937–1982), keduanya menggunakan teks sebagai titik tolak. Sementara seniman secara tradisional menganggap kaligrafi sebagai artikulasi keindahan, keduanya menantang status elitnya dan memilih untuk menggunakan sumber teks yang lebih umum untuk karya mereka, seperti mantra jimat.

Pilihan untuk berfokus pada teks-teks yang tampaknya biasa daripada teks sastra dan agama—merupakan tindakan pembangkangan politik. Ini menunjukkan bahwa artis lebih tertarik pada bahasa massa daripada bahasa elit kerajaan. Selanjutnya, para seniman saqqakhana memilih untuk menekankan sifat visual daripada isi dari teks-teks tersebut. Mereka menggunakan huruf dan angka sebagai elemen dekoratif untuk mengisi latar belakang komposisi, sehingga menghilangkan makna semantik dari karakternya.

Penggunaan perangko dan bahan dasar pena, tinta, dan kertas lebih lanjut mengubah seni tinggi kaligrafi menjadi sesuatu yang lumrah, bahkan banal. Meskipun Siah Armajani (lahir 1939) bukan anggota grup dan kemudian menjadi seniman publik yang terkenal secara internasional, karya awalnya memiliki kedekatan visual dan konseptual dengan seni grup ini. Dia menciptakan komposisi padat yang tampak abstrak dari jauh, tetapi sebenarnya terdiri dari teks-teks agama dan politik, ayat-ayat puisi, kutipan dari cerita anak-anak, citra dari manuskrip bergambar, dan mantra jimat yang dicoretkan di permukaan ( 2012.109 ).

Pada awal 1960-an, Parviz Tanavoli (lahir 1937) mulai membuat patung heech ikoniknya ( 2012.39 ) sebagai reaksi terhadap komersialisme beberapa kalangan artistik elit. Patung-patung itu adalah perwujudan visual dari kata heech , yang berarti “tidak ada” atau “tidak ada” dalam bahasa Persia dan mencerminkan gagasan Sufi bahwa Tuhan menciptakan segala sesuatu dari ketiadaan.

Seniman lain bekerja lebih kiasan, menggabungkan gambar dan ikonografi dari era Qajar hingga Iran pra-Islam . Sadegh Tabrizi (kelahiran 1938) menemukan inspirasi dalam barang-barang rumah tangga seperti perkakas, gembok, ornamen, dan teks. Ia menggambar citra ini dari berbagai generasi lukisan Persia , serta lukisan kedai kopi ( qahvakhana ). Kanvas naratif berskala besar ini memiliki fungsi didaktik

Mereka dibawa berkeliling oleh pendongeng ( naqqal s), ditampilkan di depan umum, dan diriwayatkan. Mereka dimaksudkan untuk mendapatkan pengalaman emosional oleh rakyat jelata. Karya-karya Massoud Arabshahi (lahir 1935) dan Mansour Ghandriz (1936–1966), misalnya, menengok kembali ke tradisi artistik Iran kuno. Sedangkan Ghandriz mengeksplorasi abstraksi yang terinspirasi oleh tekstil dan logam, Arabshahi terinspirasi oleh bahasa visual Iran pra-Islam.

Menurut Hamid Keshmirshekan, Arabshahi menciptakan potongan-potongan yang terinspirasi oleh pahatan batu, tulisan Zoroastrian, dan peta yang berasal dari periode Achaemenid , Asyur , dan Babilonia . Selain segudang sumber artistik ini, beberapa seniman mengangkangi seni lukis dan pahatan, berpindah media dengan lancar sepanjang karier mereka, seperti yang terlihat dalam karya Jazeh Tabatabai (1931–2008).

Monir Shahroudy Farmanfarmaian (lahir 1924) termasuk dalam kelompok seniman yang terus berkembang yang meninggalkan Iran pada 1950-an untuk pendidikan internasional. Tenggelam dalam kancah seni New York pada 1950-an, ia memperoleh apresiasi terhadap budaya pop dan membangun jaringan pertemanan artis seperti Andy Warhol , Frank Stella , dan Willem de Kooning .

Ketika dia kembali ke Iran pada tahun 1957, dia mulai dengan cermat membuat potongan-potongan menggunakan metode tradisional yang dia artikan ulang menjadi idiom modern: khususnya, cermin mosaik dari periode Safawi dan kemudian dan membalikkan lukisan kaca dari periode Qajar ( 2010.395 ). Gayanya yang unik memadukan dua bentuk seni pribumi ini dengan estetika yang telah dia tunjukkan di New York.

Meskipun para seniman saqqakhana disebut sebagai sekolah, keragaman gaya mereka berbicara tentang sifat sebenarnya dari gerakan tersebut: curahan praktik dan gagasan yang cair, bukan yang terorganisir atau didorong secara filosofis. Bagi Emami, istilah saqqakhana mencerminkan semangat ini: karya-karya tersebut menjadi gudang metaforis mereka sendiri dari objek-objek Persia, mulai dari yang religius hingga yang sekuler.

Kesamaan visual apa pun dihasilkan melalui pertukaran ide secara organik, partisipasi dalam pameran dan bincang-bincang di Atelier Kaboud, dan bagi banyak orang, pengaruh belajar di sekolah Hunarkada-i Hunarha-yi Taz’ini (Sekolah Tinggi Seni Dekoratif Teheran).

Secara ideologis dan artistik, banyak dari seniman ini mencari cara untuk merangkul akar budaya dan identitas individu mereka sebagai seniman internasional, inovatif, dan terutama seniman modern. Mereka ingin dianggap kosmopolitan, terkini, dan relevan. Mereka sedang mencari bentuk seni yang akan berbicara untuk massa negara dan mewujudkan elemen budaya visual Syiah.

Selain itu, dukungan besar yang diterima para seniman ini dari pemerintah memperkuat visibilitas dan hasil kreatif mereka. Hunarkada terus berfungsi sebagai tempat berkembang biak bagi banyak seniman yang akan berafiliasi dengan gerakan saqqakhana .

Di sanalah mereka belajar seni terapan tradisional dan mengenal simbol, ikonografi, dan teknik kerajinan yang diambil dari budaya populer Persia.

Sementara itu, pelatihan ketat di berbagai bidang mulai dari desain grafis hingga arsitektur, dan fakultas asing baru memperluas cakupan kurikulum.

Itu adalah kombinasi sekolah dari pelatihan formal, fokus sejarah, dan pengaruh internasional yang menghasilkan lulusan yang sekaligus global dan lokal, kontemporer dan tradisional.

Di luar lingkup pendidikan formal, Atelier Kaboud berfungsi sebagai tempat berkumpulnya para penulis, seniman, dan arsitek. Di tingkat yang lebih publik, biennale, pameran, dan galeri lokal memberi seniman sebuah platform untuk memamerkan karya mereka secara lokal.

Lima dua tahunan Teheran yang diadakan dari tahun 1958 hingga 1966 memamerkan karya lebih dari 100 seniman Iran kepada khalayak internasional.

Marcos Grigorian (1925–2007) membantu mengatur dua tahunan pertama di negara itu, dan kemudian berperan penting dalam memperkuat kancah galeri, khususnya galeri Apadana yang didirikan pada tahun 1949.

Selain upaya promosi ini, karyanya sendiri sebagai seniman berkontribusi pada saqqakhana perluasan gerakan.

Pekerjaan tanah legendaris Grigorian adalah komposisi abstrak yang menggunakan tanah kering, serta kahgel (campuran jerami dan tanah liat yang digunakan untuk membangun tempat tinggal di desa-desa Iran) yang ditempelkan langsung ke kanvas ( 2012.356 ; 2012.357 ).

Alih-alih menggunakan media ilusionistik seperti cat, Grigorian memilih jerami dan tanah asli untuk memberikan gambaran tentang kehidupan desa Iran.

Ia juga terkadang membuat rakitan dengan menggunakan peralatan makan dan makanan yang ditempelkan langsung pada kanvas. Potongan-potongan ini mengungkapkan sepotong kehidupan sehari-hari—misalnya, makanan pekerja—dan membawa pengalaman rakyat jelata Iran ke dalam kesadaran penonton.

Akhirnya, dengan dana hibah dan hadiah, seniman sendiri mulai bepergian ke luar negeri. Untuk menyamai pencurahan produksi seni ini adalah Abby Weed Grey, bisa dibilang kolektor Barat paling penting dari seni kontemporer Iran selama periode ini. Hubungan dekatnya dengan banyak seniman ini membuatnya memperoleh salah satu koleksi seni modern Iran terbesar di luar Iran, yang selanjutnya memperluas visibilitas karya-karya ini di luar negeri.

Kombinasi unik dari dukungan nasional, kontak lokal antara seniman, dan keingintahuan internasional memicu pertumbuhan pesat gerakan saqqakhana .

Meskipun para seniman ini tidak pernah menulis manifesto resmi, pada akhir 1960-an ada satu perhatian yang menyatukan, untuk mengembangkan bentuk seni nasional, sejenis bahasa visual dari dan untuk orang-orang Persia. Wawasan nasional dan global para seniman terus memengaruhi karya para kaligrafer, pelukis, fotografer, dan pematung tahun 1960-an dan 1970-an .

Meskipun revolusi 1979 menandai pecahnya produksi artistik, warisan para seniman saqqakhana bertahan lama. Beberapa artis dari grup asli ini masih aktif sampai sekarang, meskipun gaya mereka telah berkembang melampaui parameter asli gerakan tersebut. Perkembangan gaya ini tercermin dalam banyak koleksi termasuk Museum Metropolitan yang juga berisi karya-karya yang dibuat dari tahun 1970-an dan seterusnya, titik masuk bagi generasi modernis Iran berikutnya serta seniman yang lebih muda saat ini.