Seni Modern dan Kontemporer di Iran – Gerakan seni modern di Iran dimulai pada akhir 1940-an dan awal 50-an. Secara politis, ini adalah tahun-tahun dimana Reza Shah turun tahta dan meningkatkan kontak dengan Barat.
Seni Modern dan Kontemporer di Iran
kargah.com – Secara artistik, ini adalah periode setelah kematian pelukis Kamal al-Mulk (1852-1940) dan dengan demikian secara simbolis berakhirnya kepatuhan yang kaku terhadap seni lukis akademis.
Puncak dari peristiwa ini memungkinkan untuk mempertanyakan otoritas dan menghasilkan penciptaan sekelompok seniman yang berdedikasi untuk menciptakan idiom modern Iran yang unik.
Satu situs untuk perubahan ada di College of Fine Arts, kemudian di bawah arahan André Godard. Lulusan sekolah diajar dengan cara yang sangat berbeda dari di Akademi Seni Rupa Kamal al-Mulk, dan didorong sebagai inovator daripada penyalin.
Baca Juga : Chaharshanbe Suri Kebudayaan Iran Melompati Api
Dilansir dari laman kompas.com Pada saat dibuka, sekolah Kamal al-Mulk sangat dihormati, tetapi sekarang dikritik karena pengabdiannya yang mantap pada gaya lukis akademis lama setelah penolakannya di Eropa.
Pembukaan galeri Apadana di Teheran pada tahun 1949, dan munculnya seniman seperti Marcos Grigorian (1925–2007) pada tahun 1950-an, menandakan komitmen terhadap penciptaan bentuk seni modern yang berakar di Iran.
Grigorian sendiri tertarik pada seni populer, dan terutama jenis lukisan yang dibuat untuk mengiringi penceritaan di kedai kopi. Dia memesan dan memamerkan lukisan semacam itu, tetapi dalam karyanya sendiri dia lebih suka gaya yang mengacu pada gurun, tempat tinggal penduduk asli, dan kosakata visual mereka tentang tanah dan lumpur yang kering.
Murid Grigorian, Hussein Zenderoudi (lahir 1937) juga menemukan inspirasi dalam budaya populer, tetapi lebih melihat ke bentuk dan estetika objek yang dibuat untuk penyembahan awam — jimat, cetakan doa, dan tangan Fatima.
Dalam ulasan tentang karya Zenderoudi, cendekiawan Karim Emami menyamakan karya seninya dengan jenis benda yang ditemukan di saqqakhanas, air mancur umum yang didirikan untuk mengenang para martir Syiah di Karbala, yang merupakan situs untuk doa pribadi.
Istilah ini kemudian diterapkan pada sekelompok seniman yang, meskipun tidak berafiliasi secara resmi, semuanya meminjam dari masa lalu Iran dan estetika populer tertentu. Kelompok ini termasuk Parviz Tanavoli (lahir 1937) dan Siah Armajani (lahir 1939).
Dalam karya Tanavoli, motif paku dan panggangan jendela saqqakhana muncul di patung, lukisan, dan permadani saat dia mengerjakan masing-masing media tersebut. Belakangan, sebagai reaksi atas hype dunia seni Sekolah Saqqakhana, Tanavoli menghasilkan serangkaian karya yang menggabungkan kata heech, bahasa Persia untuk “ketiadaan”.
Armajani telah menghabiskan sebagian besar karir seninya mempelajari, meneliti, dan mengembangkan proyek seni publik. Manifesto tertulis dan seninya, yang meliputi desain dan proyek konstruksi, telah berperan dalam membentuk konsep seni publik di Amerika Serikat.
Namun, dari 1958 hingga 1964, ia menghasilkan serangkaian karya kaligrafi. Menggunakan berbagai media, ia menutupi seluruh permukaan dengan ayat-ayat puitis kecil dalam bahasa Persia untuk menyampaikan kritik sosial. Seperti yang terlihat di Shirt, karya-karya ini sering mengandung gelombang prasasti yang mengalir ke berbagai arah.
Tahun 1950-an yang sangat aktif diikuti oleh tahun 1960-an dan 1970-an yang sama bersemangatnya. Dekade-dekade ini menyaksikan terbukanya Iran ke kancah seni internasional, ketika seniman lokal berpartisipasi dalam pameran seni, mendirikan galeri, dan mendekati kolektor asing. Pada tahun 1977, Museum Seni Kontemporer Teheran dibuka, menampilkan koleksi penting dari seniman Barat dan Iran.
Pada tahun-tahun ini, Seyed Mohammad Ehsaey (lahir 1939) melanjutkan eksperimen dengan kaligrafi yang telah dimulai oleh seniman Saqqakhana, mengabstraksi huruf dan bereksperimen dengan teknik lukisan modern.
Revolusi 1979 mengubah dinamika seni rupa. Revolusi itu sendiri didokumentasikan oleh fotografer Abbas (lahir 1944), yang baru saja kembali ke Iran untuk sebuah proyek guna meneliti perubahan dalam masyarakat yang dibawa oleh ledakan minyak Iran. Tertangkap dalam momen itu, dia merekam demonstrasi massa yang gencar dan tingkah laku para politisi tingkat tinggi.
Setelah pengambilalihan oleh pemerintah Islam, museum dan galeri menikmati lebih sedikit ruang daripada tahun-tahun sebelumnya. Seni periode ini didominasi oleh perang Iran dengan Irak (1980-88), dan tanggapan banyak seniman terhadap kengeriannya. Sadegh Tirafkan (1965-2013) menyelesaikan serangkaian foto untuk mengenang banyak teman yang tewas dalam perang.
Perang juga mendorong perkembangan tertentu dalam seni grafis, karena poster yang tegas dan kuat diciptakan untuk menggalang dukungan nasional dan untuk memperingati banyaknya nyawa yang hilang.
Foto-foto Tirafkan lainnya mengeksplorasi hubungannya sebagai seorang laki-laki Iran dengan masa lalu negaranya yang kuno. Yang terbaru adalah seri yang berbasis di Persepolis.
Akhir 1990-an menyaksikan lonjakan aktivitas artistik, dengan banyak seniman seperti Farah Ossouli (lahir 1953) bekerja di Iran. Ia memilih medium lukisan miniatur Persia sebagai titik tolak karya seninya.
Dalam lukisannya, Ossuli mengganti ruang teks dengan bidang warna dan memanipulasi skala figur yang banyak di antaranya adalah perempuan. Ia menyesuaikan dengan bahasa lukisan miniatur, namun menampilkannya kembali dalam idiom kontemporer.
Ossuli mengatakan hal berikut tentang karyanya: “Miniaturists mengatakan bahwa menjadi miniaturist kontemporer berarti menjadi seorang pesulap, seseorang yang dapat melakukan hal-hal luar biasa, teliti, mengerjakan lukisan selama lima tahun, atau mampu menggambar garis yang tidak terlihat.
Tapi saya ingin membuat terlihat apa yang tidak terucapkan, dan saya hanya mengambil rasa sakit yang wajar dalam menciptakan karya saya. Jadi, saya jelas bukan miniaturis. “
Ada juga sejumlah orang Iran yang bekerja di luar negeri, yang mewakili generasi yang terjebak dalam baku tembak Revolusi. Banyak siswa yang telah meninggalkan Iran untuk melanjutkan pendidikan tinggi di negara lain dan yang pergi selama Revolusi dan terkadang tidak diizinkan kembali selama bertahun-tahun.
Shirazeh Houshiary (lahir 1955), yang menetap di London, dan Shirin Neshat (lahir 1957), yang tinggal di New York, adalah dua seniman seperti itu. Karya awal Houshiary adalah patung logam yang dipatenkan berdasarkan bentuk geometris Islam.
Karya-karyanya yang lebih baru adalah lukisan monokrom, yang tampak seperti kanvas kosong berwarna putih atau hitam jika dilihat dari kejauhan, tetapi berupa jaringan kompleks dengan tanda terukir rumit pada grafit jika dilihat dari dekat.
Karya-karya ini sulit dipahami dan terkadang hampir tidak terlihat, menunjukkan pencarian diri dalam bentuk fisik. Mereka merangkum esensi kehadiran manusia — nafas. Pada tataran mistis, karya Houshiary dapat diartikan sebagai metafora cahaya Ilahi dan pencarian abadi manusia akan persatuan dengan Sang Ilahi.
Karya Neshat bergumul dengan masalah pengasingan dan identitas dan mencerminkan upayanya untuk mengatasi perubahan di negara tempat dia merasa sangat terasing. Dalam serial Women of Allah (1997.129.8) dan dalam instalasi video terbarunya, teks puisi menutupi bagian tubuh wanita.
Karya-karyanya mengandung unsur puitis dan liris yang kuat, meskipun mereka membahas subjek-subjek “terlarang” seperti Islam, revolusi, perempuan, feminitas, dan kekerasan. Penjajaran elemen-elemen yang saling bertentangan dan disonan seperti kerudung dan senjata itulah yang membuat karya Neshat begitu memikat.
Dia adalah master instalasi video. Salah satu karyanya yang terbaru terinspirasi dari novel Wanita Tanpa Pria oleh Shahrnoush Parsipour dan kisah pohon Tooba dalam Al-Qur’an.
Di sini, Neshat menggunakan pohon sebagai metafora untuk kerinduan spiritual akan surga dan pencarian kekuatan politik, memanfaatkan warisan budayanya untuk menciptakan karya yang beresonansi dengan ide-ide universal seperti kehilangan, makna, dan ingatan.
Seni Persia Pra-Modern
Iran memiliki salah satu budaya tertua di dunia dan, selanjutnya, memiliki salah satu tradisi pembuatan gambar tertua di dunia. Tembikar dari Susa (Gbr. 1), sebuah kota kuno di dekat perbatasan Irak, dan situs Shush sekarang di Provinsi Khuzestan, bertanggal sekitar 4000 SM.
Karya-karya yang masih ada dari zaman kuno klasik, dimulai pada abad ke-6 SM dan berakhir sekitar abad ke-5 M, sebagian besar berupa karya logam, tembikar, dan relief Dinasti Achaemenid seperti yang muncul di tangga menuju aula Apadana di Persepolis (Gbr. 2).
Identitas budaya Persia tetap menonjol selama penaklukan Muslim, yang terjadi pada paruh pertama abad ke-7, terus menghasilkan tembikar yang rumit, pengerjaan logam, dan batu, serta memasukkan gaya epigrafi Islam ke dalam karya arsitektur dan keramik.
Pentingnya budaya Persia selama ini dibuktikan dengan karya-karya seni Islam awal yang sangat dipengaruhi oleh gaya Persia sehingga dalam banyak kasus sulit untuk tidak salah mengira karya-karya Islam untuk karya-karya era Sasanian. Gambar raja pejuang dan singa (Gbr. 3) adalah umum dalam karya seni Islam awal, dan ini datang langsung dari tradisi Sasan.
Penyerapan gaya Islam ke dalam tradisi Persia sebaliknya, sebagian besar terlihat pada dekorasi arsitektural. Desain geometris Islam dalam plesteran, ubin, dan ukiran menjadi hal biasa, dan jenis seni inilah yang paling dapat diakses oleh massa.
Gaya epigrafi seni Islam muncul di tembikar dan peralatan logam menjelang akhir milenium, tetapi karya-karya ini, yang bertentangan dengan dekorasi arsitektural, terutama dapat diakses oleh anggota masyarakat yang lebih makmur.
Sejarah lukisan Persia pramodern sulit untuk disaring karena sifat fragmentaris dari sejarah medianya. Banyak lukisan yang dilakukan sebelum invasi bangsa Mongol telah hilang dari waktu ke waktu atau karena peradaban yang menginvasi.
Apa yang kita ketahui, dari potongan-potongan yang tersisa dan dari literatur yang disimpan dengan relatif baik dari waktu ke waktu, adalah bahwa pada Abad Pertengahan, lukisan dinding figuratif adalah genre utama lukisan, dan bahwa secara umum lebih makmur di masyarakat yang mampu. untuk menikmati karya-karya ini di rumah mereka.
Invasi Mongol memiliki efek skismatis pada masyarakat Persia, terutama di bidang seni dan budaya, itulah sebabnya, bersama dengan karya-karya itu sendiri, sejarah dan pengetahuan penulis seni sebelum invasi Mongol hilang. Apa yang dikenal sebagai “zaman keemasan” lukisan Persia dimulai pada abad ke-14 pada masa pemerintahan Turko-Mongol Timurids.
Baca Juga : Mengenal Orang-orang Suku Ainu, Penduduk Asli Jepang Yang Terlupakan
Selama waktu ini seni buku itu diperhalus; kaligrafi dikembangkan lebih lanjut dan miniatur menjadi genre yang terkenal (Gbr. 4).
Miniatur – salah satu produk artistik paling terkenal di Iran – adalah genre lukisan yang sangat figuratif, dan sebagian besar miniatur dibuat dengan tujuan mengilustrasikan adegan dalam sebuah cerita, seperti Ferdowsi’s Shahnameh.
Para Timurids membawa pengaruh pada genre dengan etnisisasi tokoh-tokohnya sehingga mereka lebih tampak seperti Asia Tengah dan Timur (Gbr. 5), serta mereformasi standar tata letak halaman manuskrip untuk lebih menekankan harmoni antara teks dan gambar.
Meskipun miniatur paling awal yang tersisa saat ini diproduksi di bawah Timurids, gaya tersebut telah ada setidaknya satu milenium sebelum invasi Mongol. Seniman dan nabi Mani membuat lukisan figuratif pada abad ketiga.
Keyakinan yang dia pimpin, yang disebut Manikheisme, banyak menggunakan gaya miniatur dalam teks-teks agama mereka, meskipun tidak satupun dari mereka bertahan sampai hari ini. Gaya tersebut tetap relevan selama berabad-abad, dan sejumlah seniman kontemporer menggunakan atau merujuk gaya tersebut dalam karya mereka.
Menjembatani kesenjangan antara dinasti kuno dan modernitas ini adalah keluarga kerajaan kedua dari belakang yang memerintah Iran, dinasti Qajar. Qajar membantu menyiapkan panggung untuk transisi ke seni modern di Iran.
Meskipun lukisan cat minyak telah ada di Iran sebelum Qajar naik ke tampuk kekuasaan, keluarga membawa medium itu ke puncak. Penguasa Qajar awal seperti Fath ‘Ali Shah mencurahkan waktu dan sumber daya untuk definisi citra kerajaan Qajar.
Ini berarti persiapan potret formal, dan lukisan cat minyak lainnya, untuk memperkuat kekuasaan Shah. Di bawah Muhammad Ghaffari dari Qajar, pelukis yang dikenal sebagai Kamal-ol-molk, menjadi terkenal dan penekanannya pada lukisan formal memperkuat kesinambungan antara figur era Mongol dan realisme era modern.
